http://www.jazzman.fr/blog/2009_08_01_blogarchive.html

Quello di Elisabetta Antonini è nome nuovo nel non ricco panorama del canto jazz nostrano. Siamo in presenza di una musicista e di una proposta musicale di grande valore e sicuro interesse. L’ augurio è che una musica raffinata e seducente quale è quella della Antonini, possa trovare uno spazio congruo. Talento, passione, studio, coerenza e rigore, sono elementi importanti che, però, sempre trovano adeguato riscontro: v’è che, fortuna vuole, si materializzano in “Un minuto dopo“.

E‘ Maria Pia De Vito (sua maestra e mentore) a presentarci, nelle note di copertina, con giusto orgoglio e grande equilibrio, la musica e le qualità di Elisabetta Antonini. Le caratteristiche peculiari della sua musica, in evidenza in diversi momenti, sono non scontate e pochissimo diffuse e mi sembra vadano ricercate soprattutto in un assiduo, profondo, quasi “cocciuto”, lavorio di “arrangiamento”, costruzione e levigatura dei brani, tutti caratterizzati da un equilibrio timbrico e dinamico raffinatissimo. Anche se il soprano di McCandless fornisce un contributo sostanzioso, è la scelta dell’insieme timbrico piano, clarinetto, sax soprano, voce a caratterizzare la musica. Altri tratti peculiari di “Un minuto dopo” si possono scorgere nello stretto rapporto tra scrittura e improvvisazione, nella integrazione profonda tra parti cantate e parti strumentali.

Diverse le scelte vincenti: un ambito timbrico-dinamico cameristico, “liederistico” si potrebbe quasi dire; di fatto un album in trio voce, pianoforte, soprano e/o clarinetto, anche se i musicisti sono quattro i due fiati non sono mai armonizzati. Vincente la scelta dei musicisti dalla sensibilità affine e tutti con una grande capacità di ascolto; così anche la scelta di cantare in italiano brani di propria composizione (quattro in tutto) o temi scritti da Enrico Rava cui è stato, da Marina Tiezzi (di fatto il quinto componente del gruppo), adattato un testo.

E Antonini-Tiezzi firmano “Cerco il mare“, forse il brano più riuscito e fresco del disco, giustamente posto in apertura d’album. Si trovano altri brani scritti dalla Antonimi, solo vocalizzati e pertanto senza un testo; brani che risultano essere forse un po’ più deboli, o di impatto meno originale degli altri.

Il più grande limite del disco – comunque interessante, maturo ed equilibrato – è proprio il timore di rischiare troppo proponendo solo brani autografi e la necessità di dimostrare le proprie doti di musicista-cantante ora con lo scat, ora confrontandosi con una tradizione un po’ consunta e riproponendo l’ennesima versione di “Alice in Wonderland“, godibilissima per il lavoro sulla timbrica nella parte finale ma “inutile“, da un punto di vista melodico e letterario se eseguita così.

Al primo ascolto del primo brano è tornato alla memoria il nome di Steve Lacy, il disco “Rushes” in trio con Rzewsky e la Aeby e il disco su testi di poeti italiani. Là testi di grandi poeti russi e italiani musicati da Lacy, qui la presenza di due autrici affini dotate di talento, sensibilità e gusto non comuni. Viene da chiedere: a quando una prova tutta a quattro mani?

A parte queste ultime annotazioni un disco ed una musicista da ascoltare ripetutamente.

Andrea Gaggero per Jazzitalia

http://www.jazzitalia.net/recensioni/unminutodopo.asp#.XJX8kbvsbIU

Un debutto discografico atteso, su cui Elisabetta Antonini ha lavorato a tutto tondo, curando anche gli arrangiamenti e seguendo passo passo la produzione; un debutto carico di aspettative, perchè le voci femminili che si cimentano nel jazz sono parecchie, decisamente agguerrite, ed il rischio di “perdersi” è davvero alto.
Una voce particolare, delicata ma incisiva, affilata e “ficcante” nel contempo, capace di scivolare colorando in maniera differente i singoli passaggi dei brani interpretati, dal timbro particolare, a tratti quasi “metallico”, scattante nel passare dai timbri più acuti ed aspri a quelli più caldi e pieni.
Le solite cose è brano che ben rappresenta questo eclettismo, in cui la vocalist si ritaglia anche, giustamente, qualche momento di virtuosismo, mai troppo “carico”, peraltro.
Ad affiancarla, in un gioco di parti sempre molto morbido e suggestivo, il pianoforte di Alessandro Gwis, già reduce da importanti esperienze, anche soliste, l’oboe delicato e affascinante di Paul McCandless ed i fiati misurati e leggeri di Gabriele Coen; Out of the rolling ocean, su testo di Walt Whitman, è un po’ la sintesi di questo affiatamento così spontaneo ed istintivo.
Molto abile a “giocare” con la propria voce, Elisabetta Antonini dimostra quanto sia importante variare continuamente i registri del proprio canto; di fatto non da, ne vuole dare, punti di riferimento, ma affronta ogni brano come fosse una vicenda a sè stante, lasciando aperte, soprattutto in prospettiva futura e dunque non solo con riferimento a quest’album, un’ampia serie di possibilità che riguardano l’evoluzione del proprio approccio all’interpretazione.
Peraltro lascia molto spazio ai compagni di avventura, non focalizzando unicamente sulla propria voce l’attenzione degli ascoltatori, senza per questo creare sterili “competizioni” solistiche; di fatto tutto l’album vive in un continuo equilibrio tra gli strumenti, includendo fra di essi la voce, spesso utilizzata, in Lungo la strada l’esempio più evidente, proprio in veste “strumentale”.

http://www.lisolachenoncera.it/rivista/recensioni/un-minuto-dopo/

“un minuto dopo”

Il talento autentico di Elisabetta Antonini

Ancora una volta, attraverso la Label Koiné dedicata alle giovani voci del jazz italiano, l’etichetta Dodicilune presenta una produzione davvero artisticamente valida: “Un Minuto Dopo”, primo lavoro discografico a proprio nome per la talentuosa singer Elisabetta Antonini.
La sua è una voce pastosa, raffinata, ammaliante, con la quale riesce ad esprimersi con leggerezza e controllo dei timbri anche nei vocalizzi più flessuosi e nello scat. Oltre ad un naturale talento ed una spiccata predisposizione per il canto jazz, la sua tecnica sofisticata ed elegante prende forma a partire dagli studi persistenti con artisti di grande rilevanza quali Norma Winstone, Judy Niemack, John Clayton, Bob Stoloff, Roseanna Vitro, Roger Treece e Maria Pia De Vito (che ha curato con  sensibilità e affetto le note di presentazione del disco). Durante questo vivido periodo Elisabetta Antonini ha anche avuto la fortuna di confrontarsi con il fervido ambiente musicale americano, quella che ancor oggi molti considerano“culla del jazz”, fonte inesauribile (ma non unica) di ispirazione per ogni artista che col jazz intenda cimentarsi.
Gli strumentisti che hanno partecipato alla registrazione sono tutti di sicuro spessore, non certo una novità nel panorama jazzistico italiano, quali Alessandro Gwis e Gabriele Coen, entrambi molto attenti nella definizione delle strutture melodiche con le proprie riconoscibili scelte stilistiche:  il primo con le sue note saltellanti, tintinnanti, dinamiche, le sincopi improvvise accostate con squisito gusto estetico a melodie a volte latine, altre più dolci; il secondo per i lineamenti rarefatti, densi, squillanti ed emozionali provenienti dalla propria cultura yiddish.
Altra guest star  è il polistrumentista Paul McCandless (membro del famoso quartetto degli Oregon) illustre ospite e pedina importante per definire le sfumature decisive con il suo oboe. A lui è affidato l’incipit del brano di apertura “Cerco Il Mare”, introducendo l’ascolto alla registrazione con un esecuzione intensa e avvolgente.  
I torniti arrangiamenti costruiti dalla band leader si materializzano con coloriture molto personali, estetismi originali definiti con intelligenza per mantenere l’equilibrio e l’alchimia dell’interplay, terreno ove raramente si incrociano i fiati di Coen e McCandless, in maniera tale che i due possano esprimere il loro lirismo senza specifiche inibizioni di pentagramma. La vocalist riesce a risultare autentica anche nella rilettura di brani non originali, come nell’enigmatica interpretazione della canzone “Leo Rising” di Frank Foster o nei freschi arrangiamenti disegnati sulle quattro composizioni di Enrico Rava “Le Solite Cose”, “Tomo Y Recuerdo”, “Certi Angoli Segreti” e “Sola”.  Molto originale anche la scelta di lavorare senza la ritmica della batteria, spesso sostituita magistralmente dal pianismo colto di Gwis. 
In ogni canzone le scritture mantengono costantemente il pathos espresso nei testi di Marina Tiezzi definendo, a seconda del messaggio, movimenti di sentimento, di dinamismo, di allegria. L’apice di questa osmosi viene raggiunto nel brano “Out Of The Rolling Ocean”, rielaborazione musicale di una poesia di Walt Whitman, un momento di ascolto sospeso tra le parole senza tempo del poeta e scrittore statunitense ed un arrangiamento delicatissimo, sottile e arioso, dove si inseriscono davvero bene i morbidi movimenti di Coen.  
Meritano a nostro avviso una specifica menzione il brano “Certi Angoli Segreti”, ove Gwis agisce (come denota la titolazione) nella ricerca di quelle “note nascoste” dietro l’arrangiamento riportandole alla luce con un dolce lirismo, e anche le duttili e solari armonizzazioni ne “La Ballata dell’Alfiere” tra la voce ed il tenue clarinetto basso, che colorano la performance con melodie di  intensità lucente e rara.
Artisti così bravi, sia nelle esecuzioni decise che nelle composizioni fresche e culturalmente fini, meriterebbero certamente più spazio sui grandi palcoscenici jazz italiani. Spazi riservati per lo più, e purtroppo, ancora soltanto ad una stretta cerchia di nomi già noti.

“Donne in Jazz 2009”: Elisabetta Antonini

Serata di grande alchimia musicale all’Auditorium Scuderie Aldobrandini di Frascati nell’ambito della rassegna “Donne in jazz 2009”: si è esibita Elisabetta Antonini accompagnata da due musicisti,  Alessandro Gwin al pianoforte  e Gabriele Coen sassofonista e clarinettista.
Elisabetta Antonini è una cantante e un’interprete molto particolare di jazz contemporaneo ed è anche leader di diverse formazioni musicali con cui partecipa a rassegne e festival in tutta  Italia presentando un repertorio che va dalla song americana d’autore a brani originali e di jazz contemporaneo. Svolge attività didattica come  insegnante di canto jazz, di improvvisazione ed è direttrice del coro  jazz alla Saint Luis Music School e nei seminari di Nuoro Jazz diretti  da Paolo Fresu. La Antonini ha una tecnica vocale distinta con  un respiro cameristico. Nelle songs cantate si nota la ricercatezza delle assonanze sonore ed effetti ritmici sincopati nello scambio di vocalizzi con lo strumento a fiato di Gabriele Coen. Tra le particolari interpretazioni  ascoltate durante il concerto riteniamo siano da mettere in particolare evidenza :
 – Both Sides now  di Joni Mitchell  con particolare senso del respiro tra le note .
 – Yatra-ta’  di  Tania Maria, una difficilissima interpretazione con un gioco ironico saltellante delle note ritmiche.
 – Love is stronger than pride  di Sade, un brano pop molto conosciuto  riproposto in una chiave intimista con rallentamento della partitura originale ed effetto quasi meditativo.
Un notevolissimo ”bravo” ad  Alessandro Gwis al piano con degli arrangiamenti e un’interpretazione  che denotano un background pianistico di impronta classica. Il suo pianismo contemporaneo si esprime con l’alternanza di note classiche ma rivestite di un abito elettronico che rende un effetto più penetrante.
Gabriele Coen è stato un interprete assoluto delle espressioni vocali di strumenti a fiato quali  sax e clarinetto con fusione di espressioni etniche – jazzistiche.

http://www.italianotizie.it/2009/11/16/”donne-in-jazz-2009″-elisabetta-antonini/

Il jazz di certi «angoli segreti» Elisabetta Antonini, Gabriele Coen e Alessandro Gwis all’Alexanderplatz

SARÀ REGISTRATO a maggio il primo disco di Elisabetta Antonini, Gabriele Coen e Alessandro Gwis. Qualche indiscrezione sul titolo ma niente di certo, ancora, se non l’imperdibile occasione di ascoltarli in «Certi angoli segreti» domani alle 22 all’Alexander Platz di Roma. L’Antonini, accompagnata da Gabriele Coen al clarinetto e sax soprano e da Alessandro Gwis al pianoforte, studia vocalità jazz e approfondisce stile e linguaggio jazzistico dopo avere viaggiato negli Stati Uniti e in Italia confrontandosi con musicisti del calibro di Maria Pia De Vito, Mark Murphy, Cinzia Spata, Barry Harris, Norma Winstone, Roseanna Vitro, Judy Niemack, Roger Treece, Jay Clayton e Bob Stoloff. Con lei nel progetto ‘Certi angoli segreti’, che è il tema/titolo della performance di domenica sera, ritornano il suono intenso e penetrante di Gabriele Coen, già conosciuto per la continua rivisitazione e contaminazione della musica klezmer, che negli ultimi anni ha creato nuovi gruppi musicali percorrendo differenti interessanti strade, e il tocco energico e lirico del pianista Alessandro Gwis. Un nuovo gruppo dunque? Sì. E stabile anche, che per presentarsi al pubblico sceglie, per la sua prima volta, l’Alexander Platz esplorando e sviluppando un’idea della stessa Antonini: la dimensione segreta, il non detto, reale o immaginario, comunque forte e condizionante. Ad accomunare i percorsi artistici dei tre musicisti è senza alcun dubbio la passione per il jazz. «Certi angoli segreti – come spiega l’Antonini – prende ispirazione dal titolo di una composizione del famosissimo Enrico Rava che per la prima volta viene rivisitato musicalmente e vi si associano parole. Il risultato? Credo e spero un’atmosfera rarefatta e avvolgente. La particolarità della performance – prosegue l’Antonini – sta proprio nel tradurre in musica certi angoli segreti che ognuno di noi si porta dentro, con i quali convive. Mistero, inafferrabilità e mutevolezza del non detto tradotti dall’alchemica miscela del nostro trio». Tre artisti, dunque, tre differenti sensibilità, tre «diversi segreti». Una scelta non casuale ma ponderata, proprio nel rispetto dell’intimità e unicità di ogni segreto. «Certi Angoli Segreti» si costituisce, come progetto e performance romana, di composizioni firmate da Enrico Rava, Elisabetta Antonini e Gabriele Coen, dove la parola cantata conserva la propria efficacia letteraria e s’arricchisce di musica. Nella serata romana di domenica saranno inseriti inoltre pezzi di autori contemporanei, sempre rivisitati dal trio, come «Alice in Wonderland» e, con un pizzico di pop internazionale, «Love is Stronger than Pride».

Elisabetta Antonini scrive e arrangia ricercatamente testi e musica e si avvale di collaborazioni raffinate come Gabriele Coen, Paul McCandlesse Alessandro Gwis, che seguono le sue inclinazioni amalgamandosi morbidamente con accompagnamenti o improvvisazioni eleganti.
I fiati dominano in questo disco donandogli sonorita’ anni ’20, giocano con la voce continuamente rincorsi da un pianoforte scattante e ironico. A tratti appare eccessivamente ricercato nelle sempre inaspettate modulazioni e cadenze, volte del pensiero.

http://www.soundcontest.com/speciali/le-ninfee-della-dodicilune/

Musicista completa – suona il piano, conosce l’armonia, conosce la tradizione del jazz, scrive i suoi brani, è insegnante ed arrangiatrice – Elisabetta Antonini presenta il 16 Novembre 2009 sul palco dell’AlexanderPlatz di Roma il suo primo lavoro discografico, “Un minuto dopo“, accompagnata e sostenuta da Alessandro Gwis e Gabriele Coen.

Le composizioni hanno una loro originalità che colpisce dal principio: “Cerco il mare“, “Lungo la strada“, “Un minuto dopo” sono brani che rispettano la tradizione jazz e ben si coniugano con gli standard rivisitati nel concerto proponendo insolitamente testi in lingua italiana. La voce della cantante mostra immediatamente uno stile interpretativo singolare: non ha grande potenza, ricorre allo scat e fa sfoggio a tratti di un vibrato intenso. Non convince pienamente ma perlomeno incuriosisce.

Il suono suadente del clarinetto, con i suoi bei virtuosismi e quello melodico e cristallino del piano apportano un contributo fondamentale, sono le loro “voci” a conquistare. Favoleggiante l’assolo di Gwis inframmezzato dai gorgheggi della Antonini; il pianista alterna momenti intensi ad altri leggeri e giocosi e catalizza l’attenzione del pubblico.

Interviene poi Paul McCandless suonando l’oboe inglese con una dolcezza infinita. Il dialogo tra i quattro è fluido e telepatico e le parti strumentali sono senza dubbio le più riuscite e coinvolgenti mentre i vocalizzi della cantante a lungo andare risultano prevedibili.

http://www.jazzitalia.net/IoCero/ElisabettaAntonini_Roma.asp#.XJYADrvsbIU

“Quando, ormai qualche anno fa, sentii cantare Elisabetta per la prima volta,  accompagnandola al piano su uno standard jazz, pensai che quella era un’allieva speciale: aveva già un bel di fraseggio, un suono coerente, una grande passione per gli standard del jazz… ma il suo obiettivo andava ben oltre se stessa e il suo successo. Aderì totalmente alla mia filosofia, alla cosa banale e brutale che dico da sempre ai miei allievi: per essere cantante di jazz, in pieno godimento delle tue prerogative, devi essere una musicista completa. Suonare il piano, conoscere l’armonia, conoscere la tradizione del jazz , essere consapevole della contemporaneità musicale in tutte le sue forme, scrivere i tuoi brani, o almeno rileggere ciò che interpreti. E, nel tempo,  trovare la tua voce.

La sua modestia e la sua caparbietà hanno fatto di lei nel giro di pochi anni una insegnante capace, una cantante raffinata ed una compositrice ed arrangiatrice di talento, come potrete sentire in questo suo primo lavoro discografico, molto atteso da me e dai tanti colleghi che la conoscono e la stimano.

Un minuto dopo è un primo disco straordinariamente maturo,  pieno di cura e di invenzioni compositive, esaltate dalla scelta di un organico drumless, e da due compagni di viaggio quanto mai adatti a questo compito :Alessandro Gwis, a suo agio su ritmiche complesse, latine e non,  quanto su atmosfere spaziose, col suo tocco impeccabile e risonante, e le sue pennellate  elettroniche  discrete e stranianti; e Gabriele Coen, col suo clarino bruno e pastoso, a suo agio nel ruolo ritmico quanto in quello solistico, nell’improvvisazione melodica che in quella umoristico-rumoristica.

Infine, ospite d’onore,  il meraviglioso Paul Mc Candless, il cui  inconfondibile, siderale oboe apre il disco, con un intro lirica su “Cerco il mare”, prima  notevole composizione di Elisabetta. Ma troverete poi”Lungo la strada”, “Un minuto dopo” (ascoltate che delizia il solo di Gwis, che interrompe il flusso ritmico, suggerendolo e richiamandolo a contrasto nelle ottave alte del piano, e l’ingresso rilassato e mellifluo di Coen…una gioia nella gioia.), brani che mostrano la sua destrezza melodico-ritmica, soluzioni armoniche mai scontate o prevedibili. E poi La Ballata dell’Alfiere, e  Out of the rolling Ocean, splendida interpretazione in musica di una poesia di Walt Whitman, mostrano d’altro canto la sua conoscenza di quella  scuola di jazz europeo che trova in Kenny Wheeler uno dei fari, col suo uso sapiente di melodia e contro-melodia, …e che lusso favoloso avere l’oboe di Mc Candless, a sostenere e colorare con la sua classe infinita le delicate campiture sonore descritte dalla voce.

Ma Elisabetta è capace anche arrangiamenti complessi ed originali. Chi accosterebbe l’originale Leo Rising di Frank Foster a questa rilettura fuori dalle cornici del fastbop? Il trattamento cui Elisabetta lo sottopone ne impreziosisce gli aspetti melodici, e ne esalta i fraseggi velocissimi donandogli un fondale spazioso, in cui i suoi magnifici compagni di viaggio, intessono una trama preziosa allo splendido assolo al soprano di Mc Candless. E infine la rilettura di quattro brani del nostro grande Enrico Rava, melodie a molti di noi  care, e conosciute da tempo, che godono di una luce differente, nelle interpetazioni sentite di Elisabetta sui testi profondi  e immaginifici della autrice  Marina Tiezzi. 

Una vocalità precisa, delicata e autorevole allo stesso tempo, che accarezza le note e le parole. L’intonazione impeccabile, il colore soffiato delizioso, che ritroviamo infine in Alice in wonderland, che chiude dolcemente questo disco denso con un omaggio agli standard del jazz che ben conosce ed ama.

“Un minuto dopo “ è il primo passo nella carriera artistica di Elisabetta, che prevedo –  e le auguro – sia lunga e fruttuosa.

Ecco un  primo ritratto di una artista  in continua evoluzione e ricerca. Enjoy”

Primo disco per la cantante e compositrice Elisabetta Antonini, che sceglie una formula atipica, facendosi accompagnare da pianoforte e fiati, senza altro supporto ritmico. I musicisti in scena sono di altissimo livello e questo facilita il compito della leader: Alessandro Gwis interpreta con duttilità il ruolo centrale assegnato al pianoforte in un tal organico, rimanendo presso la voce per accompagnarla e incardinarla ai fiati, ma anche aprendo spazi rarefatti nei quali la Antonini può agire espressivamente; Gabriele Coen, ai clarinetti e al soprano, mette al servizio della cantante il suo ben noto lirismo e la sua espressività. C’è poi lo straordinario ospite speciale, Paul McCandless, che illumina il lavoro fin dalla prima nota, introducendo con il suo oboe il brano d’apertura, ma poi intervenendo in più parti al soprano e, soprattutto, ancora all’oboe.

Si aggiunge a questa cornice già preziosa la selezione dei brani: quattro della stessa Antonini, quattro tra i più noti e apprezzabili di Enrico Rava, uno di Coen e due tratti dalla tradizione degli standard. Una varietà che ruota attorno alla rilettura italiana del jazz, così da avere un buon equilibrio tra mainstream e radici culturali nostrane, rappresentate anche dai testi, in gran parte opera di Marina Tiezzi.

Nel quadro può così prendere ben posto la Antonini, che mostra chiaramente il suo riferimento a Maria Pia De Vito (che introduce il disco nel booklet), spesso prendendosi spazi per improvvisazioni su vocalizzi e gorgheggi, ma alternandovi con misura il canto, su stilemi diversificati. È tuttavia il modo in cui la voce della cantante interagisce con i suoni dei suoi accompagnatori ciò che maggiormente rende caratteristico questo lavoro, nel quale importante appare proprio l’ottimo interplay del trio. Tra i brani, si segnalano particolarmente l’iniziale “Cerco il mare,” l’elaborata “Leo Rising” e la suggestiva, astratta “Alice in the Wonderland”.

Un ottimo gruppo e un bell’esordio per una nuova voce del jazz italiano.

http://www.animajazz.eu/wordpress/category/dubidubidu/

After a long absence for some years now Candid has recommenced its activity by diversifying its production and placing its trust in offbeat projects like Elisabetta Antonini’s The Beat Goes On, who is the first musician in Italy to sign with this legendary label. It’s an intriguing concept but not without complications in which the singer puts some of the beat poets to music: Kerouac, Ginsberg, Corso, Burroughs, Ferlinghetti. Antonini does a fine job of giving breathing space to these celebrated rhymes; she avoids suffocating them with pretentious heaviness, instead opting for a simple approach: the most frenetic swing bop, manipulations of sound and voice “as tasteful as they are effective”, altering her own voice, broadening her musical range. This explains the inclusion of Bob Dylan’s Blowing in the Wind, Joni Mitchell’s Woodstock, Horace Silver’s Cookin’ at the Continental, Thelonious Monk’s Well you Needn’t and David Douglas’s Orujo.

The eight remaining tracks are originals which hold their own with the classics thanks to Elisabetta Antonini’s talent (vocals, electronic effects, compositions, arrangements) and her celebrated partners: The unique quality of The Beat Goes On lies in the convincing interplay between the authentic readings of the Beat poets which were extracted from old recordings that, in spite of the use of artifice sound like they come from the same session, and the instruments. Since it’s not possible to cover all the tracks we will limit ourselves to citing Ginsberg’s legendary Howl and above all to the moving Requiem for Bird Charlie Parker (Corso): Bearzatti’s vibrant, overdubbed horns lend support to Antonini, who dares to reach for vocal nuances which penetrate the soul. Highest respect.

After some significant productions in a minimalist style, singer and composer Elisabetta Antonini offers this intriguing and well-produced album, The Beat Goes On, which is dedicated to The Beat Generation poets and is accompanied by Francesco Bearzatti (tenor sax and clarinet), Luca Mannutza (piano), Paolino Dalla Porta (double bass), Marcello Di Leonardo (drums). For this talented Roman artist, Gregory Corso, Allan Ginsberg, Jack Kerouac, William Burroughs and Lawrence Ferlinghetti represent a starting point from which to propose an interweaving of anxiety, revolutionary thought and the lyrical transgression of these poets and the jazz of those years (Fifties / Sixties). With the perfect fusion between maudit poetry and delirious bebop the five protagonists of this work offer a collective interplay which, to say the least, is thrilling. Bearzatti’s exuberant and dynamic instrumental voice blends with Mannutza’s elegant softness, while Paolino Dalla Porta’s solid groove supports Marcello Di Leonardo’s imposing drumming, and the result is an ensemble of multiple formal nuances. With her singing the band leader expresses an artistic personality and breadth to which with refined vocals she adds the above-mentioned poets and the use of some electronic alchemy. From Horace Silver’s pyrotechnical Cookin’ at the Continental to the funky atmosphere of Antonini’s New York Blues, from the soft melodic line of On the Road to the west coast setting of the medley of Holy and Joni Mitchell’s beautiful Woodstock (U.S.A. poster child of pacifism), from the burning funeral accompaniment of Requiem for Bird Charlie Parker to the rarefied strains of Bob Dylan’s Blowin’ in the Wind which concludes the album, Elisabetta Antonini in The Beat Goes On gives us a slice of American history, bringing to light in an original way the lyrics and musical loves of that group of students that possessed visionary inspiration.

What does TBGO represent in terms of your artistic evolution?

My involvement in this cd has been more emotional, more intimate. This work was a direct vehicle for me in which I could express my profound feelings as well as condense images, sound and meanings which are more urgent and personal to me. In this way, it was a more mature artistic phase in that it was more sincere.

Why did you decide to pay homage to The Beat Generation?

I was excited by the idea of dedicating myself to a project that translated the 1950’s in the United States into musical terms, embracing the personal stories of the protagonists of the Beat Generation. I think that even today they express and exalt freedom and human dignity in a brilliant, vital and profound way. What’s more, the Beats used to read their poetry to the accompaniment of jazz which best captured the rhythm of their words.

What are the traits which best express the cd?

This is a “concept album” in which I open the windows onto the themes, atmosphere and setting of the Beats, giving a musical form to what struck and moved me on the written page. Instead of paying homage to them by resorting to the bop repertoire that was so dear to them I above all felt the need to write my own music in order to give back my own emotional experience when I was reading them. However, the most characteristic trait of the project is the way in which I selected and recomposed acoustically the voices of those very Beats and adapted them to music; audio extracts from that period have been rearranged with the precise intention of looking for a real situation, relocating them into what I imagined was their story, their film, because I wanted to give a musical voice to all the expressive force of those words.

You also played an important role in the arrangements of the cd.

Yes, in every one of my projects I always try to create a world, to suggest an emotional climate, an intensity of light that represents the key characteristic of the work which moves me most. This effort manifests itself in precise aesthetic choices which I want to embrace in relation to the timber and organic characteristics that I want to use in addition to the compositional solutions I decided to make use of while arranging the material. I am not able to see myself only as a singer but more as a director who guides the protagonists to whom, in following my own taste, I trust the story which must be told.

What is the basic idea behind the original compositions?

I began with the evocative force of the poems and the imagery they inspired in me as if I had been called to write the musical comment.

On the back of the cover, there’s a complimentary comment by Sheila Jordan.

She’s one of the most authentic voices in the world of jazz with a unique style which is sincere and extremely powerful. She grew up among the boppers; she loved that strange music and learned to appreciate it at a deep level, finding in it her own original and unmistakable language; so it seemed natural to me that I asked her to listen to the recording. Any comment from her would have been an honour but I never expected to receive a personal phone call in which she said she had been struck by the originality and passion of the work as well as the knowledge I showed in relation to jazz and its heroes.

Elisabetta Antonini’s voice lies at the centre of the expressive discourse of The Beat Goes On: it reveals an instinctive, creative and repeated use of scat; in some passages, her voice makes itself harsh and dissonant while at other moments often provides hummable melodies. A group of worthy musicians work with her in a sequence of tracks where the listener encounters original compositions as well as rearrangements which are consistent with the concept of the Beat Generation around which the entire work revolves. The album assumes very stylistic forms, passing from moments that have a bluesy taste to ballads, from bop arrangements to electronic music. Everything has been conceived and arranged by the leader who has also inserted the recorded voices of some of the Beat protagonists such as Jack Kerouac and Allen Ginsberg, going beyond stereotypes to create a personal vision (…). The aesthetic aspects of the album are delineated through a careful selection of literary material which has been transformed into music and the final result reflects the consistency of artistic intention.

This year the Gian Mario Maletto Award “…goes to Elisabetta Antonini, an accomplished singer the recognition of whom will only surprise those who in the course of the years have not followed her notable artistic evolution and maturity.“

Here is the spirit of freedom of the Beat Generation.

Winner of the Top Jazz Poll for Best New Talent, the singer tells us how such an original album was born.

Singer and bandleader, arranger and composer, who grew up musically between Europe and the United States, Elisabetta Antonini alternates concerts and teaching and undertakes refined and original paths, paying particular attention to the by now classic pages of today’s jazz and the composition of new works in addition to embarking on other approaches and languages. So there is the taste of chamber music jazz of the trio Un Minuto Dopo, the rarefied atmosphere of contemporary jazz of the Harp&Voice Nuance Duo and the quartet album The Beat Goes On, dedicated to the Beat Generation.  

How did The Beat Goes On come into being?

From the desire to pay homage to sublime forms of poetry and prose which are very close to jazz and to the spirit of freedom that inspires and nurtures this music; and above all from the desire to reread Kerouac, Ginsberg, Corso, Burroughs, Ferlinghetti and to borrow the evocative force of their words and through music to call to mind the images, light and atmosphere of that particular style of storytelling. The idea emerged from an evening dedicated to Fernanda Pivano and to her role as an unusual intellectual. In organizing that concert I tried to evoke the complexity and depth by setting literary passages to music and deepening as much as possible the knowledge of her work.  At the end it was natural for me and even necessary to concentrate on the history of those poets that she had translated and encountered; I enhanced the nature the text I already knew and then decided to articulate a musical project about them.

Why exactly the Beat Generation?

As I said I went back and read them and I believe that their message is as revolutionary and as iconoclastic today as it was then. With their words and their dramatic and disconcerting lives they provided an example, a more profound sense of such concepts as freedom and human dignity. Accused of homosexuality, of harboring communist sympathies as well being anti-military and Jewish, they were rebels  in the true sense of the word but who in any case were harbingers of the American counterculture, asking questions and expressing themes that had until then being banned by the social and political system. Paraphrasing Ferlinghetti’s words who was a poet but above all the editor of their poems, the Beat Generation showed a way that was different and yet possible and far from conventional thought and which avoided the deadening flatness created by consumerism which today as then we must all endure.

Poems, novels, thousands of words: an imposing heritage. How did you manage to transform it all into music without resorting to cliché?

First and foremost there had to be the Beat Generation, a world that was still able to capture us with the force of their words, their poetry. I knew that the project would make sense only if I used the literary material but I wanted to beyond the superficial blending of poetry and music: I wanted to tell and describe the journey through the settings and the atmosphere that was imagined through reading those words. The idea had a precise form. The only problem that remained was how to get there, which passages to extract from so much available material, and whether to proceed by translating their works into Italian or to use the original language, whether to insert recited pieces and whether, in that case, I should recite them or have an actor do it. Suddenly everything became clear: I started to write original music to their words and felt the need to also use their voices (selecting and editing audio recordings from that period) so that they would result as even more powerful. The Beats often performed readings: I decided to follow the same path in order to embark on a more personal approach. I rethought and amplified the sense of their words almost creating new poems and transforming those voices into an instrument among other instruments, which at times became rap, then “off screen” voices, prayers and howling. At that point I needed to find the right traveling companions. Creative musicians interested in a work that goes beyond the musical aspects; through that very language which is jazz I tried to suggest an image, a sensation, a scene. Finding these things was for me the easiest aspect in the production of this album. Engaging Luca at the piano, Paolo at the doublebass, Marcello on the drums and Francesco at tenor sax and clarinet I knew I could count on solid mainstream musicians who could provide the stylistic vocabulary which is typical of jazz and necessary to this project in that the Beats became fans of bebop which is classical jazz today but was then avant-garde music. I also knew that I could obtain an additional series of expressive shadings in line with the themes of the Beat Generation: the frenzy of the journey, the ecstasy arrived at through hallucinatory, drug induced states, the contemplative mysticism, the exaltation given by jazz and its protagonists, to only cite a few. I knew that in their sensitivity they would never permit the music, already rich in sound and rhythm, to overpower the words, and that the project on the whole could maintain in spite of the variety of the material I wrote a homogeneity: the tracks were as much inspired by the bebop hyperbole as by the west coast melody, by the coral nature of old funeral elegies, by the vertiginous perception after having taken acid. I thank these artists for the moments of great lyricism and for their frenetic and furious passages which they enriched my work.

What is jazz for you?

Above all it is music, the language with which I feel able to express my sensitivity, my contradictions, my darker self, my way of looking at the world; I live, think, feel and listen as if I exist in a universe which is free of confines and definitions. Jazz is born out of contamination, which is not globalization but on the contrary is a meeting point and synthesis of roles and different personalities who are strong and yet in a reciprocal relation as well as a dialectic one. For this is more than a genre, more than only one style. It’s a way of facing life, an approach to things and I believe that this is the very essence that the Beats grasped and reached in themselves, a real and raging fever.

And now what’s in your future?

Luckily I don’t know yet. At the moment I am living in that strange phase where I can enjoy what this intense work has given back to me in which a great deal of myself is expressed and revealed; at the same time I am looking for that creative emptiness which is necessary before I can direct myself towards a new horizon.

That force which blends notes and texts

It’s more than homage: it’s a real concept album which takes the world, the language, the works, the voices, the transcriptions, the atmosphere and the themes of the Beat Generation and elaborates them, transforming them without ever betraying them. It updates them, it makes them live again, revealing the hidden aspects which have either never been expressed or have been forgotten. It interprets them. You already understand this from the title, The Beat Goes On, which from that literary current explicitly declares the modernity, vitality and historical and cultural need not to forget it. It is confirmed by the thirteen tracks on which Elisabetta Antonini, singer and composer, accompanies the listener in an “on the road” trip in terms of time and the American movement of the 1950’s, through bebop, poetry, protest songs and improvisation. There’s no nostalgia here. Every track (composed, sung and arranged by Antonini) is an elaboration upon the writings of these poets, interweaving voices and readings into scat (for example Jack Kerouac in Cookin’ at the Continental composed by Horace Silver or Allen Ginsberg in the celebrated Howl composed by Antonini); or else she expresses their essence through her singing, as in Gregory Corso’s For Miles and Kerouac’s On the Road. The result is hypnotic and powerful and brings out the musicality of the lyrics and the readings (similar to jazz solo improv) amalgamating her voice (backed up by Luca Mannutza at the piano, Paolino Dalla Porta on double-bass, Marcello Di Leonardo on the drums and Francesco Bearzatti on saxophone). The idea which emerged from an evening in tribute to Fernanda Pivano works very well also as an album. At the moment in which Elisabetta Antonini in perfect sync with the Beat Generation applies the literary cut-up technique made famous by Burroughs to her compositions, cutting and recomposing fragments of composition of the individual musicians.